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ART

Infinite Drone

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InfinityRoom


Infinite Drone

Experience an immersive environment of light and sound in the spirit of Yayoi Kusama’s Infinity Mirrored Room—The Souls of Millions of Light Years Away. Take an opportunity to delve into the spiritual aspects of Kusama’s exploration of eternity—paired with aural selections chosen curated by The Broad, including drone, electronic, ambient, and pop music.

Featuring deep cuts by celebrated musicians and sound artists from Los Angeles and beyond, the Infinite Drone series presents a new, contemplative way of experiencing The Broad’s most popular artwork. Today’s musical artist is: 𝗚𝗲𝗻𝗲𝘃𝗮 𝗦𝗸𝗲𝗲𝗻 The Oval Window (2018) Los Angeles-based artist and composer Geneva Skeen (@geneeves) is influenced by écriture féminine, alchemical metaphors, and a range of musical traditions ranging from holy mysticism to industrial.

She works with recordings, digital presets, voice, and mixed instrumentation. Her performances, publications, and installations focus on the contrast between facing the finite resources of our physical landscapes and their infinite digital representations. She is a recipient of the Touch Mentorship program and a member of VOLUME, a curatorial collective focused on sound-based practices.

The Oval Window is a stereo drone work composed strictly using recordings of voice and piano processed through digital and analog technologies. The sloping harmonics and peripheral speech affects highlighted in the composition were scraped from the original raw recordings, then reshaped in relation to each other’s line, pitch, and duration.

Written & performed by Geneva Skeen Published by Touch Music/Fairwood Music Ltd www.genevaskeen.com

The Broad Museum en Los Angeles ha cerrado de forma temporal debido a la pandemia del COVID 19, pero ha dejado una sala abierta on line en Instagram, una experiencia multisensorial con el montaje Infinity Drone de Yayoi Kusama

Infinity Room de Yayoi Kusama es la atracción más popular del Broad de Los Ángeles, atrayendo a casi 2 millones de espectadores desde que el museo abrió sus puertas en septiembre de 2015. Una cámara rodeada de espejos que alberga una serie de luces LED que se reflejan de forma infinita. Con sonidos ambient de músicos de Los Ángeles, Infinite Drone presenta una nueva forma contemplativa de experimentar en un entorno inmersivo de luz y sonido que impacta en el espíritu.

El primer video en Instagram de Infinity Drone es de 14 minutos completos, con el sonido de The Oval Window de Geneva Skeen inspirado en metáforas alquímicas y una variedad de tradiciones musicales que van desde el misticismo sagrado hasta el industrial. Compone con grabaciones, loops digitales, voz e instrumentación.

The Oval Window es un trabajo de drone estéreo compuesto estrictamente por grabaciones de voz y piano procesadas a través de tecnologías digitales y analógicas.

Una nueva experiencia en The Broad online.

 

Electronic: From Kraftwerk to The Chemical Brothers

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From Kraftwerk to The Chemical Brothers

1 Abril 2020 – 26 Julio 2020
The Design Museum
224 – 238 Kensington
High Street
London

The Design Museum de Londres evoca la experiencia de estar en un club, se convertirá en una discoteca con la nueva exposición Electronic: From Kraftwerk to The Chemical Brothers acerca de la música electrónica, fiestas raves y clubs.

La exposición cuenta con una iluminación y video sincronizados con una banda sonora seleccionada por Laurent Garnier.
Celebrará el 50 aniversario de Kraftwerk con una experiencia 3D. También presentan los visuales creados por Weirdcore para la gira Collapse de Aphex Twin y los visuales de The Chemical Brothers para cada uno de sus espectáculos en vivo.

Se expondrán obras de de Charles Jeffrey de Loverboy, Peter Saville, Boiler Room, The Designers Republic, Christian Marclay, Jeremy Deller.

La exposición se divide en cuatro secciones: Man and Woman Machine, Dancefloor, Mix and Remix y Utopian Dreams and Ideals.

La visita comienza con una exposición de instrumentos electrónicos diseñados por Donald Buchla, Tadao Kikumoto para la Corporación Roland y Daphne Oram para el taller de radiofonía de la BBC. También habrá un la replica del estudio Jean-Michel Jarre, una instalación de luz dinámica de la arquitectura 1024 y el sintetizador Moog 55 y el icónico TR-808.

Continua con el proceso de diseño de las fundas de vinilo de Tomato and Underworld, moda fetichista del diseñador Walter Van Beirendonck, objetos del club Hacienda de Manchester y un viaje en el tiempo con imágenes de gran formato de fiestas rave del fotógrafo Andreas Gursky.

 

The Residents at the MoMA

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The Residents at the MoMA

The Residents in God in 3 persons
Written and Performed by The Residents in Collaboration with John Sanborn
Friday, January 24, 7:00 p.m.
Saturday, January 25, 2:00 p.m.
Saturday, January 25, 7:00 p.m.

A Brief History of the Residents, Part 1
Sunday, January 26, 2:30 p.m.
Monday, January 27, 7:30 p.m.

A Brief History of the Residents, Part 2
Sunday, January 26, 4:30 p.m.
Tuesday, January 28, 4:00 p.m.

MoMA
11 West 53 Street, Manhattan

El MoMA presenta el estreno mundial del histórico álbum de The Residents, God in 3 persons (1988), junto con una compilación en dos partes de videos creados por Cryptic Corporation. Desde Third Reich ’n Roll (1976) hasta Dyin’ Dog (2019), estos programas trazan la evolución del colectivo, incluidas las colaboraciones con los video artistas John Sanborn y Bill Domonkos.

The Residents, en colaboración con John Sanborn, han creado una versión de teatro con proyecciones de video en directo del álbum God in 3 persons (1988): la historia de un predicador poco honrado y su obsesión enfermiza con un par de gemelos unidos de género fluido con poderes curativos.

Un cuento de fe, confusión y lujuria

God in 3 persons es un viaje al lado oscuro del alma humana. Comienza con una serie de flashbacks del narrador, el Sr. X, que nos cuenta su descubrimiento de un par de gemelos unidos que él cree que hacen milagros.

God in 3 persons es una composición musical diseñada como un oratorio de rock duro. Se recita en un estilo rítmico similar al blues hablado, y es impulsado por una partitura inspirada en los primeros compases del himno Santo, Santo, Santo.

El Sr. X, el narrador, está acompañado por un coro de voces que interactuan con las proyecciones de video que representan los pensamientos y deseos del Sr. X.

La música ha sido orquestada por el director musical Joshua Raoul Brody.

Jiz Lee, la artista genderqueer interpreta a los dos gemelos.

 

John Baldessari 

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John Baldessari

El artista conceptual John Baldessari murió el 2 de enero a los 88 años en su casa de Venice en Los Ángeles.

John Baldessari participó en importantes exposiciones colectivas internacionales, incluyendo la Bienal de Whitney, la Bienal de Venecia, Documenta.

Disfrutó de una importante retrospectiva, John Baldessari: Pure Beauty que entre 2009 y 2011 viajó a la Tate Modern, Museu d’Art Contemporani de Barcelona, Los Angeles County Museum of Art, y el Metropolitan Museum of Art of New York.

En 2014 recibió la National Medal of Arts de Barack Obama y casi lo más importante de todo tuvo una aparición en Los Simpsons en 2018.

En sus inicios entre 1953 y 1966 se dedico a la pintura. Pero al final de los 60’s dio un cambio radical y en 1970 como parte de su trabajo Cremation Project (1970) incinero todas sus pinturas en un crematorio.

Cremation Project dio inicio formal a una práctica que abarcó una amplia gama de medios, desde video, fotografía y escultura hasta grabados e instalaciones. También continuó creando pinturas, que a menudo incorporaban texto.

En una entrevista en 2013 con David Salle, antiguo alumno suyo, contó:

Pensé que había algo más. Siempre me interesó el lenguaje. Si una pintura, es pintura sobre un lienzo, ¿por qué no pintar palabras sobre lienzo? Y luego también me intereso la fotografía. Iba a la biblioteca y leía libros sobre fotografía y decidí explorar ambos. Podría verse como el siguiente paso para alejarme de la pintura. Eso puede ser fructífero. Más tarde, eso se llamó arte conceptual.

Las performances posteriores fueron sus obras más conocidas, en las que combinaba el arte conceptual con el sentido del humor. En 1971 para una exposición en el Nova Scotia College of Art and Design, John Baldessari no pudo viajar a la galería por falta de presupuesto, por lo que invitó a los estudiantes del colegio a escribir la frase, I will not make any more boring art, en las paredes de la sala.

En los 70’s y 80’s realizó trabajos fotográficos que unían imágenes vinculadas temáticamente, en 1984 realizo una de us obras más famosas Kiss / Panic, la imagen del beso de una pareja con el fondo de una multitud en pánico sosteniendo pistolas.

Al final de los 80’s John Baldessari utilizo de nuevo colores brillantes con una mirada pictórica, creando obras basadas en fotografías en las que detalles o partes enteras eran brillantes bloques uniformes de color, utilizando también el texto en colores brillantes.

Su exposición individual de 2017 en la Sprüth Magers de Los Angeles se centró en los emoji, la fusión de texto e imagen por excelencia del momento.

John Baldessari ejerció de maestro de artistas en California, primero en el Institute of the Arts entre 1970 / 1988 y tuvo otro ciclo en la University of California entre 1996 / 2005. Entre sus discípulos encontramos algunos de los artistas más influyentes del momento como  Jim Shaw, Mike Kelley, Barbara Bloom y Tony Oursler.

 

Dalí Tarot

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Dalí Tarot

La editorial Taschen ha reeditado Dalí Tarot, con un libro explicativo sobre la las instrucciones prácticas del Tarot, escrito por Johannes Fiebig.

Dalí Tarot fue publicado por primera vez en 1984, una edición limitada que esta agotadisima desde hace mucho tiempo.

El origen de este Tarot fue un encargo que el productor Albert Broccoli le hizo a Dali de un Tarot original para ser utilizado en la pelicula Live and Let Die de la saga James Bond. Al final el encargo decayó y no se utilizo en la pelicula pero Dali continuó el proyecto por su cuenta.

Dalí se hace pasar por el mago, su esposa Gala se convierte en la emperatriz, y la muerte de Julio César se reinterpreta como la carta del Diez de las espadas. Un motivo clásico de Dalí el reloj presenta un significado de elasticidad y singularidad de la vida personal, y el pergamino que muestra implica que se debe tomar el control de la propia vida haciendo planes y determinando nuestro propio papel.

El Tarot ha sido un tema recurrente en la vida de Salvador Dali.

Una editorial parisina lanzo un Tarot de Dalí en 1966 que hizo para su esposa Gala, una gran aficionada a leer al Tarot.

Durante los 70’s, Dalí acepto el encargo de crear 78 cartas de Tarot en un contrato que cambió de dueño varias veces, finalmente termino en manos de un editor de Nueva York, Dalí continuamente retrasaba la entrega del Tarot y finalmente el asunto termino en el juzgado y una fuerte suma de dólares de su cuenta bancaria estadounidense fue retenido. Finalmente los abogados de Dali y la editorial llegaron a un acuerdo.

Dali, recuperó el control de los dibujos, y Naipes Comas, impresora catalana de naipes edito el Tarot en 1984.

Las cartas del Tarot de Salvador Dalí con sus enigmas y alusiones pictóricas son un espejo, somos el Mago: único, talentoso y creativo.

Solange

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Solange Knowles

Cerrará el 24 de noviembre la Biennale di Venezia 2019 con la performance Bridge-s.

Presentara su performance Bridge-s, una obra de arte inmersiva realizada recientemente en el Getty Center de Los Ángeles los días 16 y 17 de noviembre. Se anima a los asistentes a que vistan todo de negro. Bridge-s es parte de su proyecto Modern Living, que combina la coreografía con la arquitectura.

La actuación tiene una partitura musical compuesta por Solange y coreografía del dúo de artes escénicas Gerard & Kelly, Brennan Gerard y Ryan Kelly. La coreografía gira en torno a la idea de un reloj. Cada bailarín tiene 12 movimientos principales, y un elenco de nueve bailarines produce 108 gestos que se utilizan para hacer collage, componer, reutilizar, reciclar, cuenta Gerard.

Comenzó a componer Bridge-s hace unos meses. Al describir su proceso de creación a The Times por correo electrónico, dijo que el trabajo explora su interés en la repetición y el minimalismo, al tiempo que invita a momentos de caos, incertidumbre, ruptura y que todos sienten que hablan del viaje impredecible de la transición.

Comencé usando mi propia voz para crear las melodías para cada instrumento de Bridge-s. Para despues trabajar con mi banda y experimentar con loops y melodías, intentando maximizar con capas de sonido. Solange trabaja con IAMSOUND, record label de Los Angeles, que ha participado en la producción.

El programa ha sido concebido por el director artístico de la bienal Ralph Rugoff y Aaron Cezar, director de la Fundación Delfina.

Solange se encuentra a la vanguardia de artistas que entienden su trabajo no como un medio sino como una forma de procesar el mundo que nos rodea. Abarcando la música, el movimiento, el diseño y el arte visual, su práctica se separa de las categorías y géneros aceptados, y cuestiona críticamente por qué existen estos límites.

Solange tiene pendientes presentaciones con el Guggenheim en Nueva York, la Tate Modern de Londres y la Fundación Chinati en Marfa, Texas.

 

David Byrne’s American Utopia

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David Byrne’s American Utopia

Se representa en el Hudson Theatre de Nueva York hasta el 16 de febrero de 2020.

La coreografia de American Utopia es de Annie-B Parson.

American Utopia es un espectáculo de Broadway con teatro y danza con música de los Talking Heads, con el objetivo de ayudar a las personas a encontrar felicidad. Se puede interpretar como una terapia grupal de artrock y baile.

David Byrne utiliza en el espectáculo 20 canciones del repertorio de los Talking Heads, junto con fragmentos de narraciones y consejos, la intención de Byrne es ofrecer un incentivo para tiempos difíciles, y lo hace cinco días a la semana.

American Utopia, contiene a partes iguales un seminario cívico, un concierto de rock y una performance de danza postmoderna. El espectáculo comienza con una cortina de finas cadenas de metal que se levanta lentamente mientras Byrne, una figura de cabello blanco iluminado desde arriba, se sienta en una silla en una mesa de juego, sosteniendo un cerebro y comienza a cantar Here, de su álbum de 2018 American Utopia :

… Aquí hay una región que continúa viviendo / incluso cuando se eliminan las otras secciones … Levanta los ojos hacia alguien que te ama / Es seguro justo donde estás …

Se le unen dos cantantes / bailarines con trajes grises a juego, Chris Giarmo y Tendayi Kuumba.

Continúan Lazy, con tambores y un ritmo de baile que hace que sea imposible no bailar en el asiento, se les unen los demás miembros de la banda. Todos están vestidos igual con trajes grises claros, camisas grises. Todos descalzos.

Parece que podrían ser una elegante secta dedicada al minimalismo y los movimientos mecánicos, todo a ritmo de rock tribal.

Repasan la mayor parte de los clásicos de Talking Heads: This Must Be the Place (Naïve Melody), I Zimbra, Slippery People, Once in a Lifetime, Born Under Punches, Blind, Burning Down the House, Road to Nowhere.

Esta actuación tiene un motor político, que es no partidista, aunque con un acento progresista, pero el objetivo de Byrne es impulsar consideraciones sobre cómo procesamos los hechos u la injusticia que nos rodean.

A mitad de la presentación, le recuerda al publico que él es originario de Escocia, y que los otros miembros de su banda son de Francia, Brasil y más lugares del mundo. Todos somos inmigrantes y no podríamos hacer este programa sin ellos.

Más tarde, mientras cantan el tema de protesta de Janelle Monáe Hell You Talmbout, Byrne y el grupo gritan los nombres de los que han muerto a manos del racismo y la brutalidad policial: Eric Garner, Sandra Bland, Emmett Till. «¡Di su nombre!», Retumban, ardientes y angustiados. ¡Di su nombre!

American Utopia termina conByrne orando en comunión con sus compañeros de banda que sostienen pequeñas linternas, cantando a cappella el Road to Nowhere, una catarsis de la banda con el publico.

David Byrne ha construido un momento de comunidad y consuelo, en el que expresar nuestros sentimientos.

 

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